“Errance dans la nuit”

Concerto pour violoncelle

“Il s’agit de mon second concerto pour violoncelle - le premier était associé à un orchestre de quinze cordes, alors que celui ci est pour grand orchestre. En fait, c’est Gary Hoffman qui me l’a demandé, après avoir entendu mon œuvre pour grand orchestre Soleil vert, donnée par l’Orchestre français des Jeunes. J’ai donc eu le bonheur d’écrire ce concerto “dans le son” de Gary Hoffman, comme je l’avais fait pour José van Dam avec mes trois mélodies sur des textes de Michel Schneider, ou encore pour Jean-Claude Pennetier avec mon Concerto pour piano. Gary Hoffman a une façon particulière d’emmener l’auditeur très loin dans le monde sonore. Et c’est le mode poétique de son jeu qui a déterminé le langage du concerto - davantage sans doute que la technique pure, bien que la sienne soit superbe !

J’ai donné à cette œuvre le titre d’Errance dans la nuit, pour dire le calme mais aussi l’angoisse, les souvenirs violents en filigrane, peut-être encore une promenade amoureuse ou au contraire solitaire et rêveuse. Le concerto est en un mouvement enchaîné avec un début et une fin un peu analogues, sur des “quintes à vide”, en doubles cordes au violoncelle et une grande nostalgie. Il n’y a pas vraiment de thèmes, au sens courant, plutôt des idées musicales, une pensée qui revient, sans être véritablement déclinée ni développée.

L’orchestre ici, contrairement à beaucoup de mes œuvres précédentes, se présente comme un tapis sonore relativement compact, avec très peu de contrepoint entre les différents instruments ; il s’agit plutôt d’une musique très harmonique, avec parfois des effets de clusters, des couches sonores comportant tout de même des pôles d’attraction entre les notes.

Edifice pour violon et orchestre

Dédié à son père, le violoniste Adrien Finzi, ce concerto a été écrit en 1970, enregistré pour France Musique quelques années après par Jean Mouillère, puis crée publiquement en novembre 1978 par Jean-Jacques Kantorow avec l'orchestre régional de Mulhouse. Contrairement à de nombreuses oeuvres tombées dans l'oubli, cette pièce a été jouée de nombreuses fois, notamment lors d'une tournée avec l'Orchestre National de Lille en 1983.

C'est certainement son sens intime du phrasé et l'image emblématique du soliste qui font de ce concerto une oeuvre aussi intense. Souvent isolé de l'orchestre, sans se mesurer à lui, le violon solo est ici. Considéré comme une être humain animé par ses propres pensées, face à un monde qui l'entoure, ce dernier étant symbolisé par l'orchestre dont l'écriture se veut tour à tour un écho du soliste ou l'engloutit au contraire dans la masse fourmillante des différents rythmes superposés. Composé de trois mouvements, le concerto tire son discours d'une cellule originelle de trois notes (mi bémol, ré, do dièse) qui donneront son unité à l'oeuvre. Mais la répétition insistante de ces trois notes s'articule en de grandes progressions chromatiques qui précipitent l'oeuvre vers sa fin. La superposition de rythmes différents (comme un reflet des rythmes de la vie) ajoute à cette tension qui culminera dans le troisième mouvement, enchaîné au précédent. Le mouvement perpétuel final expose alors le soliste au premier plan, laissant l'orchestre ponctuer le temps par de fugitives interventions.

C'est enfin l'itinéraire de l'apparition et de la disparition du soliste qui a donné son titre à l'oeuvre. Édifice en appelle ainsi aux dimensions architecturales de la musique, elles qui travaillent la matière par l'alliage ou par l'opposition des matériaux, celles qui tracent et modulent le relief des formes, celles qui en fait construisent - par le jeu des volumes et d'espace - le discours des sons jusqu'à lui donner la souplesse et l'intensité des éléments les plus humains.

Emmanuel Hondré

Concerto pour piano

Outre les classes d'écriture (harmonie, contrepoint, fugue, composition), Graciane Finzi étudia le piano au Conservatoire National Supérieur de Paris avec Joseph Benvenuti. Il était logique qu'un jour la compositrice soit tentée de retrouver son instrument et de repenser une forme baroque dont le classicisme et le romantisme n'ont cessé d'exploiter les ressources, tantôt purement instrumentales mettant en valeur la virtuosité du soliste tantôt puissamment expressives. En évoquant sa partition, Graciane Finzi évoque sa conception personnelle du concerto :

"Le mot concerto se justifie par la forme générale de l'œuvre - trois mouvements dont un deuxième lent et un troisième rapide -, et par "l'opposition" (mot employé dans les dictionnaires, ce qui me choque toujours)

du soliste à l'orchestre. Mais il n'est pas conforme du point de vue de la structure interne de chaque mouvement, de la construction traditionnelle de cette forme.

Le soliste, dans ma propre définition du concerto, figure l'être seul face au monde qui l'entoure avec tout ce que cela comporte de solitude et de romantisme. J'ai voulu donner libre cours à ma pensée musicale, guidée dans toute l'élaboration de ce travail par les qualités de son du dédicataire (le pianiste Jean-Claude Pennetier), mais aussi par le besoin de liberté, essentiel tant dans le domaine de la création que dans l'esprit même de l'être humain. Ainsi, dans les premier et deuxième mouvements, le piano est souvent indépendant rythmiquement ou tout au moins très libre, ce qui amplifie cette solitude que j'évoquais ainsi que le caractère d'errance auquel va se livrer le piano tout au long de sa promenade dans le temps.

Le troisième mouvement est un mouvement perpétuel de la main droite où le caractère obsessionnel de la main gauche sera rejoint par les contrebasses, les timbales et des tenues de cuivre sur la note si qui viendra accentuer le côté inexorable du temps qui passe".

Phobie

Durée 4'30 environ

Une idée fixe de 6 notes va composer cette pièce pour violon seul.

Dès les premières lignes, de petites perturbations vont venir perturber l'ordre établi:

petites notes, sul pont., rythmes rapides, à contretemps etc...

Double cordes, accélération, crescendo, déplacement dans l'aigu, vont donner une impression d'angoisse grandissante pour se terminer dans une exacerbation maximale et fortissimo dans le suraigu

Il existe une version pour Alto

Cette pièce est dédiée à Sebastien Luigi Levy qui en a été le créateur

Editions Durand Universal

9'30"

pour clarinette basse et violoncelle (1994) :

l'accomplissement dans l'écoute mutuelle

Pascal Petiot, clarinette basse

Alain Meunier, Violoncelle

(Editions Durand Universal)

L’œuvre est une commande pour le concours de sortie de la classe de clarinette basse au Conservatoire national supérieur de Paris. La compositrice, professeure dans cet établissement pendant 34 ans, est sollicitée chaque année pour écrire des pièces de déchiffrage ou même de récitals pour les contrôles et concours de différents instruments. Pour toutes ces commandes, elle se refuse a écrire des pièces académiques destinées uniquement a évaluer la technique des élèves. Au contraire, elle mettra toujours l'accent sur la musicalité, l'imaginaire de interprète, sa capacité a y insérer sa propre interprétation.

Le choix de l'instrumentation, le violoncelle dialoguant avec la clarinette est un choix qui s'est impose a moi des le premier geste créatif de cette pièce, arriver a une osmose sonore entre ces deux instruments. C'est un travail, purement abstrait et instrumental, du mélange des sons dans différentes tessitures. La pièce commence d'un rien, d'un souffle d’où l'on entend a peine quelques notes de clarinette. Les deux instruments enchaînent ensuite les formules tortueuses (supprimer les trémolos) dans une alternance d’événements, de contrastes de tempi, de modes de jeux (les pizz Bartok pour le violoncelle, les slpaps pour la clarinette, le sul ponticello conjugué au souffle de la clarinette). Dans certains passages, la clarinette basse jouera seule une sorte de dialogue, deux parties différentes dans des tessitures différentes. L’écriture, âpre et difficile, nécessite, pour chacun des deux instrumentistes, une immense écoute de l'autre. Elle donne lieu a un véritable travail de musique de chambre. L'interprétation est précisément contrôlée par l'écriture rigoureuse mais, dans la partie centrale, une place est laissée au lyrisme et à la musicalité du clarinettiste avant de terminer comme elle avait commencé, par un dernier souffle. Le titre de la pièce donne une notion de temps, la sensation que l'ont a accompli quelque chose, que ce qui devait être dit a été dit.

Editions Durand Universal